自1947年起，每年8月，随着爱丁堡国际艺术节（Edinburgh International Festival）的举行，全球最富激情和创意的艺术家和演出汇集在苏格兰首府。今年的爱丁堡国际艺术节将在8月2日举行，在此之前，爱丁堡艺术节（Edinburgh art festival）已于7月25日在城市展开，美术馆、画廊均推出了规模不等的展览。

艺术评论家乔纳森·琼斯在爱丁堡各展览的观感体会。在他看来，布里奇特·莱利的回顾展令人眼花缭乱，苏格兰国家美术馆拼贴画的历史令人眼前一亮，但有些年度艺术展则像混合包，参差不齐。

欧普艺术的杰出代表布里奇特·莱利（Bridget Riley）应该是被“禁止”的。 在参观她在苏格兰国家美术馆举办的耸人听闻的回顾展时，就过了那么几分钟，我的感观便被改变了。其绘画作品在沙龙中摇摆滚动，在波浪中移动， 绘画作品还将山丘和水槽从平坦的表面送入三维空间中。一件莱利的作品让你变大、另一件又让你变小，而爱丁堡艺术节的其余部分则根本没有这些效果。

布里奇特·莱利，《广场运动》（局部），1961

莱利现年88岁，但她的艺术作品在这个闪亮的展览中显得又是那样的年轻。这也是她长期艺术生涯应得的展示。六十年来，她的实验精神和令人眼花缭乱的智慧正确地被展现出来，其中包括了她持久的遗产——20世纪60年代的乌托邦主义。

展览拒绝按时间顺序推进。 相反，它是通过莱利对乔治·修拉（Georges Seurat）斑驳光学艺术的迷恋而展开。1960年，她画了粉红色的风景画，描绘的是一个乡村景色，有着蓝色、粉红色和金色分隔点组成的光影。在展厅内，当你的眼睛刚刚适应了这种不真实的点彩主义，便又被描绘1961年广场运动的诡异的，黑白视觉所吸引。该作品由令人难以置信的一系列缩小矩形组成，就像一个幻想的棋盘，让你感觉在现实结构中的折叠。

布里奇特·莱利，《粉色风景》，1960

那里是一个心灵的过山车。为什么不呢？这是一个节日。值得我们为之疯狂。莱利20世纪60年代早期的黑白经典融入了她十年后期绘制的《无石的墙（stone-free walls）》中。当粉红色和绿色混合在你的脑海中时，你会进入一个充满惊人图像的空间，那里揭示了她颠覆性背后的那些错综复杂的计算。

这是侵入你生命中的艺术。1976年，她在绘制红色，绿色和紫色翘曲波长的《Clepsydra》。当世界其他地方倒下时，莱利还在旅途中。当然，这是因为她的艺术对麻醉品（毒品）没有任何意义。它的喜悦来自纯粹的视觉体验。这个展览的悖论是，当你享受从墙上传来的纯粹嗡嗡声时，你永远不会被这位艺术家的纪律所吓倒。莱利大而开放的画作中有着蒙德里安（ Mondrian）或巴内特·纽曼（Barnett Newman）的紧缩。 任何效果都必须通过她简单明了的抽象线条和颜色来创造。 在这些自制的规则中，她创造了世外桃源。

布里奇特·莱利，《clepsydra》

走出莱利梦幻般的梦境，进入除了2019年的乌托邦世界之外的任何事物都是一种冷酷的冲击。在爱丁堡旧城区的一条小街上，纽约人阿尔弗雷多·贾尔(Alfredo Jaar)已经竖起了一个简单引用塞缪尔·贝克特的标语：“我不能继续，我会继续（ I Can’t Go On, I’ll Go On）”。这件艺术品是令人沮丧的，因为我们知道他的意思。但是，所有的艺术都能做到在重压下呻吟吗？

阿尔弗雷多·贾尔作品，《I Can’t Go On, I’ll Go On》

至少格雷森·佩里(Grayson Perry)在他的讽刺中加入了一些魅力。 “Dovecot”工作室展示了一套色彩鲜艳的挂毯，讲述了英国现代儿童朱莉·科普(Julie Cope)的故事。他的父母和父母的朋友在20世纪70年代的巴西尔登（Basildon）被描绘成布鲁盖尔（bruegel）般娇媚的，庸俗面部和毛发，戴着腌鱼领带。每个人都有同样的狂躁绝望表达。

格雷森·佩里(Grayson Perry)的挂毯作品

佩里和莱利的作品形成了鲜明的对比。它们都加速了爱丁堡对色彩的认知。然而，在20世纪莱利将自己置于崇高抽象艺术的地方时，佩里则喋喋不休地讲述“平均”生活故事，正如他所描绘的人物Cope那样。

对于詹姆斯·理查兹（James Richards）的艺术而言，他没有理由去攀登卡尔顿山。那里是一座高耸的岩壁，爱丁堡的旧天文观测台悬挂在那。使用北方雅典卫城作为“艺术品画廊”的新家是一个好主意，但它需要一些好的艺术，理查兹显然无法提供好的作品。他的声音安装被安置在圆顶室内，尽管音响方面令人印象深刻，却没有什么意义。

詹姆斯·理查兹（James Richards）作品

艺术节里有更好的音乐装置作品。在Talbot Rice画廊里，来自中国香港的作曲家、艺术家Samson Young在这里播放了电影《Cologne’s Flora Symphony Orchestra》中演奏的柴可夫斯基第五交响曲。但是，在铺设地毯的地板上，你可以听到来自疣状物体的咕噜声，水龙头和呼吸声，而不是其郁郁葱葱的音乐情感。艺术家编辑了音乐，以便我们听到演奏者的身体动作，安静之后是他们用嘴唇吹管乐器或拿起小提琴时的噪音。令人着迷的是你仍然可以听到表演。

Samson Young的音乐装置作品

Young艺术中的政治比贾尔（Jaar）作品里的悲惨迹象，或是佩里（Perry）的更集中。他的作品也比在国会大厅上安置的内森·科利（Nathan Coley）笨拙的文字片段更加紧迫。而大卫·巴彻勒（David Batchelor）在英格尔比画廊的“发现色彩艺术”是一个诙谐的游戏 ，他在颜料罐头的盖子上粘了文字，说明弗兰克·斯特拉（Frank Stella）对颜料的要求与对罐子里的颜料是一致的。或许是因为莱利在你脑海中响起，他的讽刺似乎缺乏能量。

大卫·巴彻勒（David Batchelor）擅长一种拼贴画。他是可爱片段的收集者。也许他可能被挤进了苏格兰国家现代艺术美术馆的“400年的拼贴画展”中。这个展览正令人愉快地打破艺术史。

Natalia Goncharova，服装拼贴设计，1915年

Eileen Agar《 Fish Circus》

你有见过英国六人喜剧团巨蟒组（Monty Python）的特瑞·吉列姆（Terry Gilliam）和毕加索（Picasso）出现在同一个展览中吗？也许你有。那么，巴洛克艺术家彼得罗·达·科尔托纳（Pietro da Cortona）与杰米·里德（Jamie Reid）设计的专辑《Never Mind the Bollocks》一起展出呢？啊哈，我可以听到策展人说，“你没看到那个人来了吗。” 这个展览是一个疯狂的拼贴画展，甚至包括了查尔斯·狄更斯的“艺术品”。 大约在1860年，他和他的朋友威廉·麦克威德（William Macready）用折叠的艺术复制品贴上了折叠屏幕。

换句话说，1912年，当毕加索把一张报纸贴在他的《静物瓶和玻璃桌》上时，经过切割、粘贴以形成瓶子的主体，在纸上添加一个豪饮广告以增代表性……他和他的立陶宛同伴乔治·布拉克（Georges Braque）并没有“发明”拼贴画。因为拼贴画早已有之。他们只是在做维多利亚时代人所做过的事。难怪现代拼贴画经常适合用在维多利亚时代的物品上。马克斯·恩斯特（Max Ernst）为他的视觉小说创作的作品和保罗·艾卢德（Paul Eluard）在巴黎咖啡馆里的大象图片与这里古老的早期作品相得益彰。因为这些超现实主义的杰作是通过蚕食旧的19世纪出版物而被创作出来的。彼得·布莱克（Peter Blake）于1962年的杰作《玩具商店（The Toy Shop）》就是一个粘贴在一起的童年记忆宝库。

1912年，毕加索的拼贴作品

马蒂斯拼贴作品

拼贴作品是非常有趣的，但我不买账它的论点。那是因为重要的是粘贴纸张可以成为艺术。

把每一个维多利亚时期的纸玩具叫做拼贴画，就像杜尚（Duchamp）之前把雪铲子当做现成的艺术品那样。尽管如此，怀旧是诱人的。而旧的图像可能会带来一些在莱利的艺术中发光的乌托邦主义。格拉斯哥梦想家吉姆·兰比（Jim Lambie）的《粘手指（Sticky Fingers）》是对恶魔力量的迷幻召唤。他在黑白照片上拼凑了一系列令人陶醉的鲜花，从花朵中可以窥视米克·贾格尔（Mick Jagger）的女性般的眼睛。兰比一直在莱利的颜色内阁中徘徊，他证明了美感仍然可以让人头脑发热。

Caroline Achaintre作品

Lucy Wayman作品