李·克拉斯纳（Lee Krasner）的艺术生涯横跨了60余年，在抽象表现主义上有所成就。但她一直被丈夫杰克逊·波洛克（Jackson Pollock)的光辉所遮蔽。

克拉斯纳从来不甘于只做波洛克的追随者，她一直在内心深处观察，在寻求自己的路，她的强烈个性体现在她对自己身份的认定上，她一直试图用自己的作品证明自己的存在。目前，伦敦巴比肯艺术中心正在呈现克拉斯纳的回顾展，用以展现她自己的艺术生涯，让她摆脱丈夫的阴影。

在伦敦的展厅里，我们看到的是来自四面八方的混乱; 暗色领域里的朦胧矩形; 一个在空画布上的拉链...... 要成为纽约战后初期的抽象表现主义者，这些元素有助于形成一种标志性外观。绘画风格就类似于亲笔签名，但李·克拉斯纳（Lee Krasner）对此表示怀疑，即使那些“亲笔签名”是她自己的丈夫。

李·克拉斯纳（Lee Krasner）

她很自豪自己没有一种固定的风格。 她认为，你必须自己弄清楚每幅画作，或者你最终得到的东西是“严格地，而不单单是存在”。

对于艺术史的坚韧，勤奋和认真，李·克拉斯纳可能是最聪明的画家之一。在20世纪40年代末，纽约的一批艺术家说服世界，帮助纽约取代了巴黎，成为现代艺术的中心。而她则是通过一种跨越风格和媒介的艺术方式来表达自我，从紧密的拼贴画到丰富的巨大抽象画。

然而，天赋并不足以帮助你达到美国绘画的名人级别。如果你是美国艺术最男子气概时代的女性，它甚至可能成为一种障碍。从1945年一直到1956年他的丈夫杰克逊·波洛克早逝前，克拉斯纳一直在波洛克的阴影下，很少受到博物馆的关注。但在波洛克去世后，她60多岁时，这一切开始转变了。

克拉斯纳与波洛克

当然，说她一直被低估并不完全正确。 她是少数几位在现代艺术博物馆接受全面回顾展的女画家之一。1984年，该展览举办于她去世后的几个月内。 如今，她的作品价格在持续飙升。5月，克拉斯纳于1960年创作的全景画以1170万美元的价格在拍卖会上出售，这也是该艺术家的纪录。

伦敦巴比肯艺术中心展览现场

但是，我们仍然可以在伦敦巴比肯艺术中心的展览“李·克拉斯纳：生活色彩”上看到她的艺术作品。这些作品依旧是很少见的。这是自1965年以来，欧洲第一次举办克拉斯纳巡回回顾展，并将于今年十月前往法兰克福席恩美术馆（Schirn Kunsthalle）展出，随后，明年将前往瑞士伯尔尼的保罗?克利中心（Zentrum Paul Klee）和西班牙毕尔巴鄂古根海姆博物馆。

在巴比肯艺术中心，展览由埃莉诺·奈恩策划。展览看起来干净，安全。展览按照时间顺序梳理，呈现出一种入门教程的感觉。同时，展览与绘画理论挑战，或是美国高度抽象的女权主义批评几乎没有任何关系。

即使展览只呈现了不到100件的作品来向观众介绍克拉斯纳的艺术生涯，但展览依旧值得欣赏。展览呈现了她最重要的绘画作品，特别是在波洛克去世后几个月内创作的，强烈的、萧条的作品，以及20世纪60年代所创作的强烈的单色作品。这些作品即使是在那“沉睡”，也是优秀的。

《Shattered Colour》1947

《Desert Moon》 (1955)

李·克拉斯纳出生于1908年，她是来自乌克兰敖德萨的正统犹太难民的女儿，也是他们第一个出生在美国的孩子。14岁时，她就读于华盛顿欧文高中，这是纽约唯一一所能让女孩接受艺术课程的学校。她在那时为自己取名为“Lenore”。随后，她开始在国家设计学院学习，一个她后来称之为“凝结平庸”的地方。在大萧条时，她退学了，并曾当过鸡尾酒女服务员和模特，在业余时间进行了炭笔研究。

1937年，她获得了与汉斯·霍夫曼（Hans Hofmann）一起学习的奖学金。汉斯·霍夫曼是德裔，也是纽约最前卫的艺术教育家。她在课堂上所绘的生活画作是这个展览的早期启示；浓密的、雾气弥漫的木炭电路，吞噬了毕加索的分裂视角和超现实主义者的色情元素。这些线条看起来几乎是刻在纸上的，她学会用画笔强调画面的二维性，同时用颜色构建抽象的空间感。

《Polar Stampede》 (1960)

即使人们感到超过预计，她的第一幅抽象画作还是深刻地表现出了熟练技术。在多色背景上呈现黑色密集的符号，有节奏、有规律地被容纳在无形的网格里，构成一种高雅独特的语言。画作中的符号包含了与纽约学校中的布拉德利·沃克·汤姆林（Bradley Walker Tomlin）、马克·托比（Mark Tobey）及波洛克（Pollock）早期绘画中相似的字形和符号。1941年，她遇到了未来的丈夫波洛克。

在对日作战胜利日（V-J Day）之后的几个星期里，这对夫妇从纽约搬到了长岛东边的乡村小镇斯普林斯。波洛克在谷仓里工作，并在那里找到了他的“滴画法”，而克拉斯纳则在楼上的一间狭小的卧室里。他们有时甚至付不起供暖费用。这期间，她只能创作小幅的油画，或者马赛克，这些作品也只能采用单层的排布，缺少层次的结构。克拉斯纳于1951年在贝蒂帕森斯画廊展出了许多作品，但却备受质疑。而她对自己的作品也毫不留情，将画布撕成了碎片。

《Blue Level》(1955)

当她回到工作室时，她开始运用空白粗麻布、新图纸，甚至是一些波洛克丢弃的滴水画，来为她撕裂的抽象分层。其结果无疑是醒目的，那些拼贴画作给予了她信心。其中可见对于马蒂斯的崇拜，包括丰富的朱红色和地中海蓝色的背景，在纯粹的20世纪50年代，部分美国人之间存在更自由、更加爵士、更具运动感的关系。

拼贴桌面，李·克拉斯纳

这些奇妙的拼贴画于1954年至1955年完成。纠正了克拉斯纳是在1956年夏天波洛克死后才成为艺术家的误解。当波洛克在汉普顿乡村小路上遇到车祸时，她正在法国。在她回到美国后，她觉得她必须继续工作。

那年末，她完成了她的职业生涯的代表作《预言》，呈现出一种痉挛、野蛮的构图，感觉它会破裂其狭窄的垂直框架。画面以一个破碎的、塌陷的裸体女人形式回归，她的粉红色肉体滴落在黑色的轮廓上。那年，克拉斯纳还有三幅画作延续了这一主题，比毕加索的《亚维农的少女》更加无序，甚至比威廉·德·库宁大幅削减的“女人”系列更加混乱。

《预言（Prophecy）》 (1956)

这些野蛮的绘画太容易作为悲伤的倾诉了。对于克拉斯纳来说，绘画具有更高的个人表现力，而且她不是一个多愁善感的人。1957年，当她搬进了波洛克的谷仓工作室时，在那里她有足够的空间在壁画上工作。在那里，她绘制了大量的，几乎是单色的抽象作品。这些抽象比他们之前的任何东西更具有物理性。那些棕色颜料比《预言》中的颜料块更薄，可以像未经处理的污垢或血液一样污染未处理的画布。

这些第一次大规模的抽象作品非常戏剧化，被诗人理查德·霍华德命名为“夜之旅”。此外，更多的视觉冲击来自于20世纪60年代丰富多彩的大画幅，例如从澳大利亚墨尔本维多利亚国家美术馆借来的作品，1965年完成的13英尺宽的作品《战斗（Combat）》，呈现出她将热爱的马蒂斯鲜艳色调转化为粉红色泡泡和波浪。

克拉斯纳想要，且证明了她的最佳状态是戏剧性和思维性的不矛盾，而生活中的绘画对两者都是开放的。

她忍受了很多，忍受丈夫的脾气，忍受那些批评和制度上的漠视; 他们无法接受她想要成为波洛克太太和一位伟大的艺术家。

李·克拉斯纳在工作室中

如今，在汉普顿的谷仓，克拉斯纳和波洛克都创作了他们突破性的作品，参观者们对着地板按下来快门，大师的滴画法故事简直就是为社交媒体量身定做的。在阴影下，克拉斯纳用于绘画的靴子正在被风化。 他们仍在等待他们的崇拜者。

展览将展至9月1日，随后，将于10月11日在德国法兰克福席恩美术馆展出。